[인터뷰] 이은경 작가, 캔버스에 옮겨진 파리 근교의 들판

▲ 다시 나에게로 온 들판_ 117x90cm_Mixed Media on canvas_2026. 이은경

브레이크뉴스 정명훈 기자=

작품은 작가를 닮는다는 말이 있다. 어찌 보면 창작자의 생각이나 작업 환경은 그대로 작품에 투영될 수밖에 없다. 때문에 작품을 들여다보기 이전에, 작가를 먼저 들여다보면 그 작품을 보다 잘 이해할 수 있다. 이에 브레이크뉴스는 국내 작가들과의 릴레이 인터뷰를 통해 작가의 작품은 물론, 삶의 이야기를 들어보는 시간을 가지려고 한다. <편집자 주>

-작품을 그릴 때 주로 어디에서 영감을 받나?

▲ 압도적인 자연 앞에 선 찰나의 몰입에서 시작된다. 특히 프랑스에서 보낸 5년의 시간동안 매일 마주했던 파리 근교의 들판은 나의 예술 세계의 고향과도 같다. 파리 근교를 여행하며 마주한 수많은 풍경들—끝없이 펼쳐진 해바라기 들판의 노란색, 포도밭 사이로 스치는 에메랄드빛 녹색, 석양이 드리우는 따뜻한 오렌지와 보랏빛의 농도—이 모든 색감은 단순한 시각적 인상을 넘어 감정의 레이어로 다가왔다.

그 후, 색채를 단순한 조형 요소가 아니라 ‘입체적 감각’으로 다루게 되었다. 작품에서 강렬한 색들이 충돌하고 스며들며 공간감을 형성하는 이유는, 그 기억의 잔상이 내면에 깊이 자리 잡고 있기 때문이다. 자연의 생명력과 변화무쌍한 아름다움, 그리고 그 안에서 인간이 느끼는 감정의 흐름은 지금도 내  작업의 중요한 영감의 원천이다. 단순히 풍경을 보는 것이 아니라 바람 소리, 풀내음, 공기의 질감까지 모든 감각이 하나로 모여 정지되는 듯한 그 밀도 높은 순간을 포착하여 캔버스 위에 필라멘트로 직조해내려 노력한다.

- 왜 작가로서의 삶을 선택했나?

▲ 아주 단순하지만 본질적인 감정에서 비롯된 것 같다. ‘무언가를 만들어낸다’는 행위 자체가 내게는 말로 설명하기 어려운 깊은 만족감을 주었고, 그 감정이 자연스럽게 삶의 방향을 이끌었다. 작업실에서 혼자 캔버스 앞에 앉아 색과 형태, 재료의 관계를 탐색하는 시간은 외로움보다는 오히려 충만함에 가깝다. 그 과정 속에서 끊임없이 나 자신을 마주하게 되고, 때로는 의외의 방식으로 스스로를 이해하게 된다. 또한 내 작업이 누군가에게 어떤 감정이나 기억을 환기시킬 때, 혹은 전혀 다른 방식으로 해석되어 관객의 이야기가 더해질 때, 그 소통의 순간에 깊은 기쁨을 느낀다. 예술은 정답이 없는 언어이기에, 그렇게 열려 있는 교감이 가능하다는 점이 매력적이다. 작가로 살아간다는 건 끝없는 질문을 품고 그에 대한 감각적인 응답을 시도하는 일이라고 생각한다. 그 과정 자체가 내게는 가장 자연스럽고 솔직한 삶의 방식이었다.

-작가 활동을 하며 가장 힘들었던 순간은 언제였나?

▲ 외부의 평가보다 더 힘든 건, 오히려 스스로에 대한 의심과 침묵의 시간들이었다. 필라멘트라는 생소한 매체를 회화에 도입하면서, 머릿속으로 그린 '생명의 두께'를 구현하기 위해 수없는 시행착오를 겪었다. 물감을 건조시켜 원근감 있게 층층이 쌓아 올리는 '적층'의 과정은 육체적으로나 정신적으로 고도의 집중력을 요구하는 일종의 수행과도 같다. 한동안 작품을 하지 못하거나 작업이 전혀 진전되지 않았던 시기가 있었는데, 의욕은 분명 존재했지만 손끝에서는 아무런 형태도 나와주지 않았다. 그때는 ‘내가 여전히 작가로서 의미 있는 창작을 할 수 있을까’라는 질문에 스스로 답하지 못하고 있었다. 지금 돌이켜보면, 그 침묵의 시간 역시 내 작업의 일부였다는 것을 알게 되었다. 결과물로 환산되지 않는 시간 속에서도 내면에서는 계속해서 무언가가 쌓이고 있었고, 그 감정의 밀도가 나중에 더 깊이 있는 작업으로 이어졌다. 예술은 언제나 확신보다는 불확실 속에서 길을 찾는 과정인 것 같다. 그 불확실함을 견디고, 때로는 멈춰 서는 자신을 받아들이는 것이 작가로 살아가는 데 있어 꼭 필요한 태도라고 생각한다.

▲ 깊게 스며든 노란 잔상2_40x50cm_Mixed media on canvas, 2026. 이은경

-반대로 가장 행복했던 순간은?

▲ 가장 행복했던 순간을 하나만 꼽긴 어렵지만, 내 작업이 누군가에게 진심으로 닿았다는 걸 느낄 때 행복하다. 예를 들어 전시장에서 어떤 관람객이 제 작품 앞에 조용히 오래 머물다가, 나중에 ‘이 그림을 보고 오래 잊고 있던 기억이 떠올랐다’고 이야기해주셨던 적이 있었다. 나의 의도와는 전혀 다른 해석이었지만, 그 자체로 너무 깊은 울림이었고, 그날 하루가 참 따뜻하게 남았다. 작업실에서 혼자 마주한 색과 감정들이, 누군가의 마음속에서도 새로운 감각이나 기억으로 피어난다는 건 작가로서 더없이 큰 보람이자 선물이다. 창작이란 고독한 과정이지만, 그 결과물이 타인과 감정적으로 이어지는 순간만큼은 모든 수고가 보상받는 느낌이 든다. 그런 순간들이 쌓일수록 ‘아, 나는 이 길을 잘 선택했구나’ 하고 스스로를 다독이게 된다.

-앞으로의 전시계획은?

▲ 이번 <Layered Vitality: 겹겹이 피어나다> 전시를 통해 필라멘트 기법의 정체성을 확고히 보여드리고 싶다. 최근에는 '기억의 색감'과 '감정의 풍경화'라는 주제를 중심으로 작업을 확장해가고 있다. 색채를 통해 감정의 층위를 시각적으로 풀어내는 시도를 더 심화시키고 있다. 이번 전시는 그간 제가 쌓아온 색에 대한 경험과 인식이 어떻게 하나의 서사로 연결될 수 있는지를 보여주는 계기가 될 것 같다. 이후에는 노란색뿐만 아니라 자연의 사계절이 가진 다양한 생명의 층위들을 탐구해볼 계획이다.

▲ 눈길이 머문 노란빛의 속삭임_72x72cm_Mixed media on canvas_2026. 이은경

-독자들에게 자신의 작품을 직접 소개해 달라.

▲ 제 작품은 발길이 멈춰 선 어느 구체적인 지점, 그 찰나의 빛과 공기가 빚어낸 밀도 높은 응시의 기록이다. 바람을 따라 쉼 없이 일렁이는 노란 유채꽃과 에메랄드빛 녹색의 대비는 제 작업의 근간이 되는 강렬한 생동감의 원천이 되었다. 바람 소리가 들리고 풀내음이 코끝을 스쳤던 경험, 그리고 강렬한 색채를 입체감 있게 다루고 있다. 재료와 기법으로는 필라멘트라는 현대적 매체를 선택하여 평면의 한계를 극복하고 자연의 입체적인 에너지를 실체화하는 데 집중했다. 전통적인 붓 터치로는 결코 도달할 수 없는 필라멘트 특유의 질감과 유니크한 조형미는 제가 목격했던 들판의 층위와 생명의 두께를 가장 세련된 방식으로 대변한다.

작품 속에서 나타나는 시각, 청각, 후각, 피부에 닿는 공기의 질감, 모든 감각이 정지된 채 오직 자연과 나만이 존재했던 그 순간의 무게감, 그리고 필라멘트의 견고한 선들 사이로 피어난 다채로운 노란색의 아름다움을 함께 나누고 싶다.

*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>

[Interview] Artist Lee Eun-kyung: Fields Near Paris Transferred to Canvas

Break News Reporter Jung Myung-hoon = There is a saying that a work of art resembles its artist. In a sense, a creator's thoughts and working environment are inevitably projected directly onto the artwork. Therefore, looking at the artist first, one can better understand the work. Accordingly, Break News intends to take the time to listen to the stories of life, as well as the artists' works, through a series of relay interviews with domestic artists. <Editor's Note>

- Where do you mainly draw inspiration when painting?

▲ It begins with a moment of immersion while standing before overwhelming nature. In particular, the fields near Paris that I faced every day during the five years I spent in France are like the home of my artistic world. The countless landscapes I encountered while traveling through the Parisian suburbs—the yellow of endlessly stretching sunflower fields, the emerald green passing between vineyards, the intensity of warm orange and purple cast by the sunset—all these colors approached me as layers of emotion, transcending mere visual impressions. Since then, I have come to treat color not merely as a formative element, but as a ‘three-dimensional sensation.’ The reason intense colors collide and blend to form a sense of space in my work is that the lingering afterimages of that memory are deeply rooted within me. The vitality and ever-changing beauty of nature, along with the flow of emotions felt by humans within it, remain important sources of inspiration for my work. I strive to capture that dense moment—where all senses, from the sound of the wind and the scent of grass to the texture of the air, seem to converge and freeze—rather than simply observing the landscape, and weave it onto the canvas like filament.

- Why did you choose the life of an artist?

▲ I believe it stemmed from a very simple yet fundamental emotion. The very act of ‘creating something’ gave me a deep sense of satisfaction that is difficult to explain in words, and that emotion naturally guided the direction of my life. The time spent sitting alone in my studio in front of a canvas, exploring the relationship between color, form, and materials, is closer to fulfillment than loneliness. In that process, I constantly confront myself, and sometimes come to understand myself in unexpected ways. I also feel deep joy in those moments of communication when my work evokes certain emotions or memories in someone, or when it is interpreted in a completely different way, allowing the audience's own stories to be added. Since art is a language without right answers, the fact that such open communion is possible is what makes it so appealing. I believe that living as an artist means harboring endless questions and attempting to provide sensory responses to them. That process itself was the most natural and honest way of life for me.

- What was the most difficult moment during your career as an artist?

▲ What was actually more difficult than external evaluations were the times of self-doubt and silence. As I introduced the unfamiliar medium of filament into painting, I went through countless trials and errors to realize the "thickness of life" I had envisioned in my mind. The process of "layering"—drying paint and stacking it layer by layer to create a sense of perspective—is akin to a form of ascetic practice that demands a high level of concentration, both physically and mentally. There was a period when I was unable to work or when my work made absolutely no progress; although my desire was certainly present, no form would emerge from my fingertips. At that time, I was unable to answer the question, "Can I still create meaningful works as an artist?" Looking back now, I have come to realize that those moments of silence were also part of my work. Even during those times that could not be quantified into finished products, something continued to accumulate within me, and the density of those emotions later led to more profound work. It seems that art is always a process of finding a path amidst uncertainty rather than certainty. I believe that enduring that uncertainty and accepting oneself when one pauses is an essential attitude for living as an artist.

- Conversely, what was your happiest moment?

▲ It is difficult to pick just one happiest moment, but I feel happy when I sense that my work has genuinely touched someone. For example, there was a time at an exhibition where a visitor quietly lingered in front of my piece for a long while and later told me, "Looking at this painting brought back memories I had long forgotten." Although it was an interpretation completely different from my intention, it resonated deeply in itself, and that day left a truly warm impression on me. As an artist, it is an immeasurable reward and gift to see the colors and emotions I encounter alone in my studio blossom into new sensations or memories within someone else's heart. Although creation is a solitary process, the moment the result emotionally connects with others, I feel as though all my efforts have been rewarded. As such moments accumulate, I find myself comforting myself, thinking, "Ah, I made the right choice in this path."

- What are your future exhibition plans?

▲ Through this exhibition, *Layered Vitality: Blooming in Layers*, I would like to firmly establish the identity of the filament technique. Recently, I have been expanding my work around the themes of "colors of memory" and "landscapes of emotion." I am further deepening my attempts to visually unravel the layers of emotion through color. I believe this exhibition will serve as an opportunity to demonstrate how my accumulated experiences and perceptions of color can be connected into a single narrative. Afterwards, I plan to explore not only the color yellow but also the diverse layers of life found in nature's four seasons.

- Please introduce your work to the readers in person.

▲ My work is a record of a dense gaze crafted by the light and air of that fleeting moment at a specific spot where one’s footsteps have stopped. The contrast between the yellow canola flowers swaying ceaselessly in the wind and the emerald green has become the source of the intense vitality that forms the foundation of my work. I handle intense colors with a sense of three-dimensionality, capturing the experience of hearing the wind and the scent of grass brushing past the nose. In terms of materials and techniques, I chose the modern medium of filament to overcome the limitations of the flat surface and focused on materializing the three-dimensional energy of nature. The unique texture and distinctive sculptural beauty of filament, which can never be achieved with traditional brushstrokes, represent the layers of the fields I witnessed and the thickness of life in the most sophisticated way.

I wish to share the sight, hearing, smell, and the texture of the air touching the skin that appear in the work; the weight of that moment when only nature and I existed while all senses were suspended; and the beauty of the colorful yellows that bloomed between the solid lines of the filament.